Culture

Après d’autres grandes villes européennes et américaines, l'exposition Amazônia du célèbre photographe franco-brésilien, Sebastião Salgado, est visible à Bruxelles. Elle se tient à Tour & Taxis (Shed/Hangar 4bis) jusqu’au 9 novembre 2025.

Pendant sept ans, Sebastião Salgado a parcouru l’Amazonie brésilienne, à bord de petits bateaux ou dans les airs. Il a photographié la forêt, les rivières, les montagnes, ainsi que les peuples qui y vivent, en tissant des liens avec eux. Dans cet univers profond, l’immense puissance de la nature se fait sentir comme dans peu d’autres endroits de la planète.

L’exposition présente plus de 200 photographies, en noir et blanc, accompagnées d’immenses projections, à la mesure de cette nature hors norme. En outre, des films permettent d’entendre celles et ceux qui habitent la forêt et de saisir la richesse de leur culture. Ils nous montrent, par ailleurs, que, dans les zones protégées où vivent les communautés indigènes, qui en sont les gardiens ancestraux, la forêt n’a subi presque aucun dommage.

Sebastião Salgado nous plonge dans un monde à la fois riche et fragile, accompagnée d'une œuvre sonore spécialement créée par Jean-Michel Jarre, mêlée à des sons naturels de l'Amazonie, captés par le Musée d'Ethnographie de Genève.

L’exposition propose une expérience inclusive conçue pour tous, y compris les visiteurs malvoyants.

Amazônia est bien plus qu’une exposition ; c’est un voyage sensoriel complet, nous invitant à nous perdre et à découvrir la magnificence de ce sanctuaire naturel. Par la force de ces images, Sebastião Salgado et son épouse, Lélia, espèrent stimuler un engagement collectif en faveur de la préservation de cet inestimable patrimoine de l’humanité, qu’est l'Amazonie et ses communautés autochtones.

Le Parc Pairi Daiza – qui vient de recevoir, pour la dixième année consécutive, trois étoiles au Guide Michelin Voyage & Cultures – propose dès ce 26 avril la Fête du Printemps. Dans une ambiance à la fois festive et contemplative, cette fête célèbre la saison du renouveau avec une série d’installations artistiques et florales, pensées pour émerveiller les visiteurs de tous les âges. Ainsi, l’exposition des œufs géants se prolonge jusqu’au 11 mai. Elle regroupe 23 œuvres monumentales, mêlant couleurs vives, motifs oniriques et hommages à la nature. Peints à la main, ces œufs portent la signature d’artistes belges : Aldomak, Joëlle Daniau, Caroline Hoc, Dominique Maghue, Corinne Ministeri, Orlando Kintero et Sarah Vestris. Dispersés dans l’ensemble du Parc, ces œufs se découvrent comme un trésor artistique à ciel ouvert, et côtoient les animaux emblématiques du jardin ainsi que les floraisons printanières. Jusqu’au 11 mai aussi, les visiteurs sont invités à participer à un jeu ludique : une chasse aux fleurs géantes. Une cinquantaine de fleurs colorées, d’environ 60 cm de haut, sont disséminées dans les 75 hectares de jardin. Huit d’entre elles recèlent une lettre dorée en leur cœur. Réunies, ces huit lettres permettent de reconstituer un mot mystère printanier. Chaque jour, trois visiteurs chanceux repartiront avec des cadeaux offerts par Floralux, une jardinerie pour maison, jardin et animaux ainsi que par les pépinières Willaert, l'un des principaux fournisseurs européens de plantes de jardin. Et le grand gagnant, tiré au sort à la fin de l’événement, remportera un séjour pour quatre personnes dans un Farmhouse Lodge du Pairi Daiza Resort.

Deux nouveaux monuments miniatures polonais viennent d’être installés sur le site de Mini-Europe : le Palais sur l'Île, bâtisse baroque transformée par le Roi Poniatowski en maison de bain, représentant l'élégance et la grandeur du patrimoine classique polonais. Ainsi que la Statue de Frédéric Chopin, rendant hommage au célèbre compositeur polonais, dont la musique, inspirée par la nostalgie de sa patrie, a révolutionné la musique classique mondiale. Les deux monuments originaux se situent dans le Parc Lazienki, le plus grand parc de Varsovie et véritable écrin de verdure qui respire la culture et l’histoire polonaises.

Les deux nouvelles maquettes viennent s’ajouter aux deux déjà existantes à Mini-Europe depuis 2004, l’année où la Pologne est entrée dans l’Union Européenne : la Cour d'Arthus à Gdansk, une maison de style néo-gothique qui accueillait les marchands de toute l'Europe, notamment de la Hanse du Nord. Et le Monument des Trois Croix à Gdansk qui rend hommage aux victimes des chantiers navals lors des luttes syndicales et symbolisant le mouvement Solidarnosc dans sa lutte contre l'autorité soviétique.

Pour célébrer la richesse culturelle de la Pologne – qui assure, jusqu’au 30 juin 2025, la Présidence du Conseil de l'Union Européenne – Mini-Europe organise un week-end polonais, les 26 et 27 avril 2025, offrant aux visiteurs l'occasion de découvrir des spécialités culinaires, de profiter d'animations culturelles et folkloriques, de participer à des ateliers familiaux et de découvrir l'artisanat polonais.

La Maison de l’Histoire Européenne – située 135 rue Belliard à 1040 Bruxelles – présente, jusqu’au 11 janvier 2026, sa première exposition photographique collective. Elle est intitulée Passé composé (Presence of the past) et est axée sur l'engagement des Européens vis-à-vis de leur passé et d'une interrogation sur les multiples façons dont nous invitons le passé dans le présent. Elle s’intéresse à notre besoin d’Histoire et à nos interactions avec le passé, à travers plus d’une centaine de photographies : 27 projets photographiques émanant de 14 pays; la plupart des projets ayant été choisis pour leur dimension documentaire. L’exposition comporte sept sections : Destination histoire, Commémorer à l’ère post-héroïque, Rejouer l’histoire, Fabriquer des héros, Dé-commémorer, Le passé comme paysage ainsi que Historiennes et historiens du quotidien.

A noter aussi que des étudiants du Département de photographie de l'Ecole nationale supérieure des arts visuels de La Cambre ont été invités à créer un contrepoint aux thèmes et aux photographies sélectionnés par le musée; et que le public peut également laisser son empreinte dans l'exposition notamment en exposant des photographies anciennes.

Pièce de Emmanuel et Armelle Patron – qui sont frère et sœur – «Chers Parents» est actuellement à l’affiche du Théâtre Royal des Galeries. Une comédie qui parle de la famille, d’amour, d’argent, de la fragilité de l’humain, de l’instabilité des sentiments, de la part d’ombre qui sommeille en chacun de nous et de ce que les parents doivent à leurs enfants. Des rebondissements de situation se succèdent, les réparties fusent et les mots claquent, avec cynisme et férocité, entre les cinq personnages de cette petite famille, en plein déséquilibre à la suite d’un évènement inattendu qui va remettre en question le lien familial.

Jeanne et Vincent Gauthier, la bonne soixantaine, sont les parents de Pierre, Louise et Jules ; trois enfants adultes qui s’adorent et aiment profondément leurs parents. Alors, lorsque ces derniers leur demandent de venir les rejoindre d’urgence, tous trois sont bouleversés et, pensant qu’il est arrivé quelque chose de grave à un de leurs parents, ils rejoignent la maison où ils ont grandi. Maison qui représente symboliquement leur jeunesse, l’amour de cette famille et où, après avoir pris connaissance de la raison pour laquelle leurs parents les ont rassemblés, tout va basculer…

Les parents expliquent qu’ils vont ouvrir un orphelina au Cambodge. Les enfants questionnent quant au financement de ce projet et découvrent alors que les parents ont gagné au lotto. Les enfants, tout d’abord heureux de chacun récolter une partie des gains, vont finalement reprocher aux parents que les montants qui leur sont réservés sont dérisoires par rapport au gain total engrangé. Cette famille tellement aimante et très unie se retrouve alors dans le déséquilibre total.

La pièce «Chers Parents» est jouée par Marie-Paule Kumps (la mère), Bernard Cogniaux (le père), Toussaint Colombani (Pierre), Juliette Manneback (Louise) et Hugo Gonzalez (Jules). La mise en scène et les costumes sont de Cécile Florin, la scénographie de Francesco Deleo et les lumières de Laurent Comiant. Une remarquable comédie à découvrir jusqu’au 13 avril.

Chef-d’œuvre et comédie la plus célèbre de Marivaux, «Le jeu de l’amour et du hasard» est proposé au Théâtre Royal du Parc jusqu’au 12 avril, dans une magnifique mise en scène de Daphné D’Heur faisant évoluer les comédiens dans un univers ludique verdoyant et ponctué de musiques des années 70-80. Un chassé-croisé amoureux qui questionne sur les relations amoureuses et sociales tout en offrant une réflexion sur la nature humaine, à travers le prisme du jeu et des déguisements. Au cœur de la pièce se trouve la question de l’amour, ses méandres et ses complexités. Les personnages principaux se déguisent pour mieux comprendre leurs sentiments respectifs.

Silvia apprend que son père Orgon souhaite la voir mariée à Dorante, le fils d’un ami. La jeune femme refuse d’épouser un inconnu et, avant l’arrivée imminente de ce dernier, elle élabore un stratagème afin de l’observer incognito. Pour sonder la sincérité de Dorante, Silvia prend la place de sa femme de chambre Lisette. Ce qu’elle ignore, c’est que son prétendant a recours au même stratagème avec son valet Arlequin dans le même but de scruter sa promise.

Ainsi travestis, les deux couples seront les dupes de ce jeu de hasard et d’amour orchestré par le père de Silvia et son fils Mario qui profitent de l’occasion pour se divertir en taquinant Bourguignon (Dorante) et Silvia qui se fait passer pour Lisette..

La belle scénographie du spectacle présente des jardins et labyrinthes symbolisant les méandres des amours et des relations humaines. Inspiré par l’art topiaire - à savoir la taille des arbres et des haies de manière ludique – ce jardin, invitant à la perte, à la recherche et à la dissimulation, devient une métaphore de la complexité des sentiments amoureux.

Les six comédiens sur scène sont Phèdre Cousinie Éscriva (Silvia), Quentin Minon (Dorante), Emmanuel Dell’Erba (Orgon), Benjamin Van Belleghem (Mario), Laurie Degand (Lisette) et Antoine Minne (Arlequin).

S’inscrivant au cœur de l’année «Art Déco 2025» organisée en région bruxelloise et célébrant le siècle écoulé depuis l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de Paris 1925, le Brussels Art Nouveau Art Déco Festival – le BANAD Festival – célèbre, du 15 au 30 mars, le centenaire de l’Art Déco. Sa programmation met ce style architectural particulièrement à l’honneur en ouvrant notamment les portes de demeures privées et lieux remarquables habituellement fermés au public.

Répartis successivement en trois zones géographiques de la Région de Bruxelles-Capitale et se déclinant sur les trois derniers week-ends de mars, une soixantaine de bâtiments aux typologies variées accueillent les visiteurs : des hôtels de maître et des maisons particulières, des immeubles de bureaux ou à appartements, ainsi que des édifices publics (musées, maisons communales, lieux de culte…) et des ateliers d’artistes. Cette 9e édition du BANAD Festival s’articule majoritairement sur une programmation Art Déco avec 60% de lieux affichant ce style, 25% d’Art Nouveau et 15% de modernisme. Au programme : des visites d'intérieurs permettant d'appréhender l'œuvre globale des architectes, de comprendre les évolutions et nuances entre les styles ; des parcours guidés (à pied ou à vélo) organisés dans différents quartiers de Bruxelles ; des conférences ; des activités inclusives et familiales ; et aussi les incontournables Foire d'Objets et Salon des Restaurateurs & Experts. Parmi les axes transversaux qui tissent cette programmation, épinglons quelques exemples parmi d'autres. Comme les œuvres de Victor Horta dont il est fascinant de suivre le fil chronologique et l'évolution stylistique. Depuis la maison Autrique, première maison bruxelloise érigée en 1893, et l'hôtel Tassel, construit au même moment et considéré comme la premier bâtiment Art Nouveau. En passant par les hôtels Solvay (1897), van Eetvelde (1895, 1899 et 1901) et Max Hallet (1903) : sublimes fleurons d'un style emblématique qui s'éteindra avant la Première Guerre Mondiale, période où l'œuvre de Victor Horta va alors évoluer vers des lignes plus sobres comme celles du Palais des Beaux-Arts de Bruxelles (1922-1929) ou de la Gare Centrale (1936) qui les rapprochent d'une esthétique Art Déco.

Antoine Courtens, lui, a construit simultanément un hôtel particulier, scindé en deux habitations, à Uccle pour la famille Haerens (1928-1932), le Palais de la Folle Chanson (1928), remarquable immeuble à appartements situé à l'un des angles du rond-point de l'Etoile, et aussi l'ancien siège de la société Electrorail (1930-1931), bâtiment de bureaux destiné à accueillir le holding de la famille Empain.

Sans oublier les divers lieux de culte Art Déco : qu'il s'agisse des églises Saint-Augustin à Forest (1932-1935 - Léon Guiannotte et André Watteyne) ou Sainte-Suzanne à Schaerbeek (1925-1928 - Jean Combaz), de la Basilique Nationale du Sacré-Cœur à Koekelberg (1905-1970 - Albert Van Huffel) ou encore de la Synagogue orthodoxe d'Anderlecht (1926-1933 - Joseph de Lange), tous ces édifices ont été érigées grâce à la technologie du béton armé et adoptent des styles singuliers oscillants entre Art Déco et modernisme.

Le programme complet du BANAD Festival 2025 est disponible sur le site www.banad.brussels

Avec la nomination de l’Américaine Tricia Tuttle à la tête de la direction artistique du festival, la Berlinale gagna en éclat.

Timothy Chalamet, Jessica Chastain (photo), Ethan Hawke , autant de stars hollywoodiennes qui foulèrent le tapis rouge berlinois, sous les acclamations du public.

Quoique. Jessica Chastain ne se considère pas comme un rouage de la machine hollywoodienne, confia-t-elle durant le festival. Oscarisée en 2022 pour The Eyes of Tammy Faye, l’actrice vit à New York, ne recherche pas les blockbusters, privilégie des films plus intimistes, portés par une véritable exigence artistique.

Une illustration parfaite de ce choix est Dreams, le film du réalisateur mexicain Michel Franco, en compétition à Berlin. Il s’agit de leur deuxième collaboration, après l’excellent Memory présenté à la Mostra de Venise en 2023. Là où Memory mettait en scène la douce romance entre Sylvia (incarnée par Chastain), une assistante sociale, et un homme atteint d’un début de démence (interprété par Peter Sarsgaard, Lion d’Argent à Venise pour ce rôle), Dreams prend un tout autre chemin, celui de la fougue d’un amour passionnel.

Jenifer, fille d’un magnat peu délicat de San Francisco, finance en tant que philanthrope une école de danse à Mexico City. C’est là qu’elle s’éprend de Fernando, un danseur d’une jeunesse éclatante et d’un talent rare. Dans l’espoir de la retrouver mais aussi de se forger un avenir aux Etats-Unis, il décide de franchir clandestinement la frontière, un périple semé de périls. Jenifer, quant à elle, redoutant la réaction de son père et de son frère, hommes peu ouverts qui ne verraient pas cette relation d’un bon œil, préfère lui rendre visite en secret au Mexique. Alors que Fernando brave la mort pour tenter de s’installer aux Etats-Unis, il prend conscience que sa bien-aimée, une Américaine mondaine, n’est pas prête à vivre leur amour au grand jour.

Dans un contexte où le président Trump prône une politique intransigeante à l’égard de l’immigration clandestine mexicaine, Dreams résonne comme une œuvre ancrée dans l’actualité. Au-delà de cette toile de fond politique, le film fascine par sa dissection impitoyable d’une passion tourmentée, entravée par des réalités sociales. La mise en scène est vibrante, d’une intensité rare.

Jessica Chastain est impériale dans le rôle de Jenifer. "La meilleure actrice au monde", trancha Michel Franco à Berlin. Pas sûr qu’il exagérait.

Axée sur la thématique «Habiter le Monde», la Foire du Livre de Bruxelles se tient à Tour et Taxis du 13 au 16 mars. L’accès à l’événement est gratuit, ce qui reflète une volonté forte de démocratiser l’écriture et la lecture pour toutes et tous. Plus de trois cents activités, célébrant le livre sous toutes ses formes, sont à découvrir.

La Foire offre une programmation éclectique, couvrant une large diversité de genres et secteurs littéraires : la Romance y a pour la première fois son propre espace dédié ; le Quartier Manga revient avec une programmation encore plus riche, avec deux fois plus d'artistes en rencontre et en dédicace ; le Polar fait son grand retour, renforcé par une présence accrue d’auteurs ; sans oublier l’Imaginaire et des espaces consacrés à la Littérature scientifique et à la Place de l’Europe. Conférences, débats et rendez-vous professionnels explorant les mutations du livre et son rôle sociétal sont à suivre. Une attention particulière est aussi portée à la Jeunesse avec deux journées de formation destinées aux enseignants et bibliothécaires sur la littérature jeunesse, ainsi qu’une journée consacrée à la traduction pour les étudiants. La programmation jeunesse s’étoffe également avec le développement du Village Famille, un nouvel espace situé au cœur de la Gare Maritime qui propose des lectures, ateliers et animations ludiques pour les tout-petits.

La Foire du Livre de Bruxelles est aussi l’endroit idéal pour découvrir la diversité et la richesse de la littérature belge. Cette édition 2025 met en lumière des écrivains belges de renom, ainsi que des maisons d'édition et des personnalités engagées dans les enjeux sociétaux et culturels actuels. De nombreux auteurs belges ou résidant en Belgique viendront à la rencontre des lecteurs pour présenter leurs ouvrages. Et plus de 60 éditeurs belges sont présents pour mettre en avant leurs publications variées, abordant des sujets allant de l’histoire aux sciences humaines, de la photographie à la bande dessinée. Un partenariat exclusif avec la Foire du Livre de Francfort mettra en avant la littérature germanophone, invitée d’honneur de cette édition 2025. Au cœur de la Gare Maritime, un pavillon de 100 m² est consacré à la langue allemande, réunissant une trentaine de maisons d’édition germanophones issues d’Allemagne, Autriche, Suisse, Luxembourg, Liechtenstein et Belgique.

Salon annuel, organisé par la Commission Européenne, Science is Wonderful ! met en avant des projets de recherche et des innovations à découvrir au travers d’expériences fascinantes, de jeux interactifs et d’activités pour tout public, avec une attention particulière pour les enfants en âge scolaire. L’édition 2025 se tient les 13 et 14 mars à l’AfricaMuseum à Tervuren. L’entrée est gratuite.

Sur 55 stands, près de 150 chercheurs, venus du monde entier, y dévoilent 48 projets financés par l’Union Européenne, soutenus par des chercheurs des Actions Marie Skłodowska-Curie (MSCA, 41 projets) et du Conseil Européen de la Recherche (ERC, 7 projets) couvrant toutes les disciplines scientifiques. Des archéologues de l’Antarctique, des géologues de Chine, ainsi qu’une multitude de chercheurs passionnants de Belgique et d’Europe y présentent leurs travaux à travers des expériences interactives, des spectacles scientifiques captivants et des démonstrations.

Réalisé par le duo belgo-français Arnaud Dufeys et Charlotte Devillers, le film belge «On vous croit» a connu sa première mondiale à la Berlinale, dans la nouvelle section «Perspectives», dédiée aux premiers longs-métrages. Il a obtenu une mention spéciale du jury à Berlin.

Après avoir marqué les esprits avec ses seconds rôles dans quatre films des frères Dardenne, la Bruxelloise Myriem Akheddiou porte «On vous croit» sur ses épaules.

Alice (Myriem Akheddiou) est au bord de la crise de nerfs. Elle se trouve avec ses enfants, Lila et Etienne, dans le palais de justice. Son ex-mari, également présent lors de l'audience, a entamé une lutte juridique pour la garde des enfants. Cela fait déjà deux ans qu'on lui interdit tout contact avec eux, ce qu'il déplore. De son côté, elle affirme haut et fort que Lila, une adolescente de 17 ans, et Etienne, 10 ans, ne souhaitent pas le voir. Le juge décide d’entendre d’abord les enfants sans la présence des parents. Lorsque Alice reste plus longtemps que prévu sans nouvelles des enfants, un vent de panique l'anime et elle perd le contrôle d’elle-même. Est-elle véritablement instable psychologiquement et manipule-t-elle ses enfants ? C'est ce qu'affirme son ex, une fois tout le monde installé devant le juge, avec les avocats présents. Alice porte de lourdes accusations à son encontre, l’accusant de maltraitance et d'abus d’Etienne.

L’interprétation d’Alice par Myriem Akheddiou est remarquable, elle maîtrise toutes les nuances émotionnelles, que ce soit lorsqu'elle prend la parole ou lorsqu’elle écoute les autres.

En à peine 78 minutes, la durée du film, les réalisateurs offrent un récit intense qui captive le spectateur du début à la fin. Ils méritent également tous les éloges pour leur approche subtile d’un sujet délicat. La véritable nature des faits reprochés au père reste inconnue du spectateur. Le mot «inceste», autour duquel tout gravite, n'est jamais prononcé, la suggestion suffit. Le film met en lumière la difficulté de faire éclater la vérité dans une telle situation, les preuves tangibles manquent souvent, c’est fréquemment parole contre parole. Le côté vers lequel penchent les cinéastes devient clair à la fin du film.

Shoah est considéré comme un des meilleurs films de tous les temps. Il y a deux ans, l'Unesco a inscrit le documentaire au patrimoine mondial. La Berlinale a commémoré les 80 ans de la libération du camp de Auschwitz-Birkenau en reprogrammant ce film Shoah qui a donné à l'illustration cinématographique du sujet éponyme une dimension inégalable, un summum de didactisme historique déployé sur plus de neuf heures. Autres nombres : le film a été présenté en France il y a 40 ans (un an plus tard à la Berlinale), et son réalisateur, Claude Lanzmann, est né en 1925, il y a donc 100 ans (il est décédé en 2018 à l'âge de 92 ans).

L'approche de Lanzmann n'était pas celle de l'historien ordinaire qu'il n'était pas. Un regard classique sur ce passé tragique ne l'intéressait pas, il voulait le faire revivre ici et maintenant. Son objectif était de réaliser un film sur l'extermination des Juifs, et non sur les survivants. Il avait pour but de démêler le mécanisme qui avait conduit à ce génocide.

Une personne qui attira toute son attention fut Abraham Bomba, un coiffeur polonais-juif déporté à Treblinka. Dans les chambres à gaz de ce camp, il coupait les cheveux des femmes juives avant qu'elles ne soient gazées. Lanzmann demanda à l'homme de raconter son histoire de Treblinka tout en coupant les cheveux d'un client dans un salon de coiffure, en espérant que la réminiscence de son ancienne occupation en enfer raviverait ses souvenirs. Cette idée fit son effet, et donne lieu à l'une des scènes les plus poignantes de Shoah.

Simon Srebnik fut un autre témoin clé qui répondait aux exigences de Lanzmann. Lui aussi avait vécu de près le processus d’extermination. À la demande de Lanzmann, il fit le voyage jusqu'à Chelmno, en Pologne. Dans ce centre d'extermination, environ 400 000 Juifs perdirent la vie, tous selon un même modus operandi. Ils étaient rassemblés dans l'église locale, puis transportés vers la forêt où ils étaient gazés dans un camion. Srebnik, âgé de 13 ans et demi à l'époque, était chargé d'enterrer les corps.

Revoir Shoah à Berlin, 80 ans après la libération d'Auschwitz, fut un moment chargé d’émotion.

Présentation jusqu’au 9 mars, au Théâtre Royal des Galeries, de la pièce La Nuit du Fils une création de Giuseppe Santoliquido, écrivain belge, auteur de romans et de pièces de théâtre. La Nuit du Fils est une œuvre originale axée sur l’histoire complexe d’un père, garagiste, et son fils, et la difficulté que peuvent avoir ces deux hommes à communiquer, à se comprendre. Elle se déroule dans l’atelier de mécanique automobile, dont le père est propriétaire.

Collard, le père, semble s’accommoder de ce que la vie lui a offert : une situation professionnelle stable, une femme aimante, son fils Paul, et son petit fils Marco, un adolescent de 15 ans. Collard aspire à ce que Paul pose ses pas dans les siens en adoptant, lui aussi, une vie rangée et ordinaire. Mais dès le début de la pièce, la tension est perceptible entre Collard, père attentionné et affectueux, et son fils, dont tout porte à croire qu’il travaille à l’atelier contre son gré, après avoir connu une série de déboires privés et professionnels. L’agressivité de Paul à l’égard de son père, tantôt exprimée ouvertement tantôt latente, place le spectateur du côté de ce dernier, dont on suit avec empathie les tentatives de désamorcer le conflit. Au fil du temps, l’inexpliqué et le non-dit s’estompent au profit de la découverte de la relation compliquée de Paul aux femmes, des difficultés qu’il rencontre avec son propre fils, Marco, de sa dépendance non assumée à l’alcool. Collard implore Paul de tourner la page et de lui succéder à l’atelier. Mais Paul pense que renoncer à ses rêves et rentrer dans le rang, c’est déjà un peu mourir. Il cherche le bonheur sans réussir à le trouver et tient injustement pour responsables de ses échecs son père, son fils, sa mère et les femmes. Malgré l’affection qu’ils ont l’un pour l’autre, Collard et Paul n’arrivent pas à se comprendre et finissent par se faire du mal. La mère tentant de calmer la situation, Marco, un client potentiel excentrique et un livreur loufoque viennent, sporadiquement au cours de la pièce, briser l’atmosphère pesante qui résulte du conflit entre Collard et Paul.

La Nuit du Fils, mise en scène par Sandra Raco, est jouée par Yves Claessens (Collard), Frédéric Clou (Paul), Marie-Hélène Remacle et Réal Siellez. Lumières sont de Félicien Van Kriekinge, la scénographie de Sofia Dilinos et les costumes de Sophie Malacord.

Lors de son assemblée générale annuelle tenue à Liège, le samedi 18 janvier 2025, les membres de l’Association Professionnelle de la Presse Cinématographique Belge (APPCB), ont élu le film de l’année 2024 : La zone d’intérêt (The zone of interest) de Jonathan Glazer, Grand Prix à Cannes en 2023, mais sorti en salles en 2024.

En évoquant l’horreur de la Shoa sans la montrer depuis le domicile voisin du commandant du camp d’Auschwitz, où le quotidien se déroule comme si de rien n’était sous le regard incroyablement insouciant de son épouse, l’exceptionnelle actrice allemande Sandra Huller, le cinéaste britannique signe un film fort et intelligent. Un film porteur d’un message essentiel à l’heure où l’horreur de la guerre sévit à notre porte et où des crimes contre l’humanité sont à nouveau commis.

Une mention spéciale a par ailleurs été attribuée au film Il reste encore demain, titre original C’è ancora domani, de et avec Paola Cortellesi. Tourné en noir et blanc et relatant l'émancipation d'une femme vivant sous le joug d’un mari violent et autoritaire, dans un quartier populaire de Rome, dans l'Italie de l'immédiat après-guerre, le film qui a secoué toute l’Italie rend aussi hommage au néoréalisme.

La Pologne assure, jusqu’au 30 juin 2025, la Présidence du Conseil de l'Union européenne et propose à cette occasion une programmation culturelle internationale foisonnante, avec près de 100 événements à travers l'Europe. Concerts, pièces de théâtre, expositions, projections de films et événements littéraires sont prévus dans plus de vingt pays européens. Organisé par l'Institut Adam Mickiewicz, la programmation met en exergue les tendances les plus passionnantes de l'art polonais contemporain, avec un accent particulier sur la nouvelle génération d'artistes émergents. Les événements, qui se tiennent dans les Etats membres de l'UE, ainsi que dans les pays candidats à l’UE (Serbie, Géorgie, Macédoine du Nord et Moldavie) visent à promouvoir les valeurs de solidarité et de coopération internationale.

Les événements majeurs se déroulant à Bruxelles

Du 14 janvier au 30 juin 2025, le Parlement européen accueille une exposition de design, de graphisme et d'illustration polonais au Conseil de l'Union européenne et au Parlement européen sur le thème de la «régénération»

Fin janvier, la photographe polonaise Ada Zielińska présentera une exposition solo dans le cadre du PhotoBrussels Festival.

En février, le festival Unsound célébrera la scène polonaise de musique électronique et expérimentale.

A l'invitation du Musée Royal d'Art et Histoire, l’artiste polonaise Małgorzata Mirga-Tas créera une tapisserie tissée à grande échelle, inspirée par la collection historique du musée.

Un concert hommage célébrant le légendaire trompettiste de jazz polonais Tomasz Ludwik Stańko, sera proposé lors d’une soirée spéciale, qui aura lieu le 18 juin 2025 à Flagey et qui mettra en lumière la riche tradition du jazz en Pologne.

Enfin, la programmation culturelle atteindra son apogée, en juin, avec un concert de clôture à Flagey, marqué par la première mondiale de «Unity», une œuvre composée spécialement pour la Présidence polonaise par le pianiste et compositeur Aleksander Dębicz. Jakub Józef Orliński, célèbre contre-ténor polonais, est parmi les artistes qui se produiront sur scène.

Depuis sa création, il y a sept décennies, la BRAFA – alors connue sous le nom de «Foire des Antiquaires» –, n’a cessé d’évoluer au fil du temps, tout en conservant son ADN basé sur la qualité et l’éclectisme. Elle s’est agrandie, internationalisée, a été organisée dans divers lieux à Bruxelles, sans perdre de son élégance et avec un objectif : proposer une foire d’art toujours plus qualitative. Cette année la BRAFA célèbre donc son 70e anniversaire. C’est la première édition placée sous la présidence de Mr Klaas Muller, élu président en juin dernier, par les membres de l’asbl Foire des Antiquaires de Belgique, organisatrice de la BRAFA. Il entend confirmer le rôle de la BRAFA sur la scène internationale et maintenir son caractère de prestige et d’excellence, tout en tenant compte des nouvelles exigences du marché de l’art.

Foire internationale à ancrage belge, la BRAFA 2025 rassemblera, du 26 janvier au 2 février à Brussels Expo (palais 3 et 4), plus de 130 galeries venant de quatorze pays ; parmi elles, une quinzaine de nouvelles galeries. Proposant différents domaines artistiques allant de l’archéologie à l’art contemporain, la BRAFA veille à un équilibre interne entre chacune de ces diverses spécialités, afin d’offrir une représentativité aussi large que possible. Des objets et pièces de tous les continents s’y cotoieront : mobilier et objets d'art Moyen-Age, Haute Epoque et Renaissance, tableaux et dessins anciens et modernes, art contemporain, design, sculptures, archéologie, arts classiques d’Afrique, art asiatique, porcelaine et céramique, orfèvrerie, joaillerie, verrerie, textiles et tapis, gravures, livres rares, photographie, etc. Proposant différents domaines artistiques, allant de l’archéologie à l’art contemporain, la BRAFA veille à un équilibre interne entre chacune des diverses spécialités, afin d’offrir une représentativité aussi large que possible. Avant l’ouverture de la Foire, toutes les œuvres exposées sont analysées par des experts internationaux que ce soit en termes de qualité, d’authenticité et de provenance.

L'invité d’honneur de la BRAFA 2025 est l’artiste plasticienne portugaise Joana Vasconcelos, réputée pour ses sculptures monumentales et ses installations immersives. Si elle a une prédilection pour les matériaux textiles, elle travaille aussi le ciment, le métal, la céramique, le verre et les objets trouvés. Cette année aussi, la BRAFA accueille l’Institut Royal du Patrimoine Artistique (IRPA), qui joue un rôle majeur dans la préservation d'une grande diversité d'objets patrimoniaux, tels que des peintures, des sculptures en bois et en pierre, des tapisseries, des métaux précieux, du verre et des éléments du patrimoine architectural. L’IRPA présentera les multiples facettes de ses missions, allant de la conservation et la restauration d'œuvres d'art à la gestion de collections et à l'analyse scientifique. Les visiteurs pourront découvrir comment les spécialistes étudient et documentent les œuvres d'art, révélant des informations fascinantes sur leur histoire et leur technique de fabrication.

Si les romans d’Agatha Christie (plus de deux milliards de livres vendus à travers le monde) sont bien connus, la vie de la célèbre romancière l’est nettement moins. Présenté au Théâtre Royal des Galeries jusqu’au 12 janvier prochain, le spectacle Lady Agatha, de Cristos Mitropoulos et Ali Bougheraba, propose un voyage palpitant dans la vie et l’œuvre de cette femme solaire, enthousiaste, libre et à l’esprit moderne, née en 1890 au Royaume Uni. Un spectacle ludique, poétique et optimiste, ponctué de plusieurs scènes émouvantes, construit sur la biographie de la grande romancière britannique du siècle passé.

Infirmière, pharmacienne, archéologue, pianiste, aviatrice, passionnée d’automobiles et écrivaine, elle a fait le tour du monde et vécu deux guerres. Elle était assurément une femme avant-gardiste pour son époque. Elle suivait son instinct et partait seule à l’aventure. A l’image de ses romans, le destin trépidant d’Agatha Christie réserve bien des surprises…

Dans la pièce Lady Agatha, mise en scène par Fabrice Gardin, l’histoire débute en 1940 alors qu’Agatha Christie a cinquante ans et commence à écrire son autobiographie. Sur scène, Laure Godisiabois incarne le personnage d’Agatha, avec à ses côtés cinq comédiens – Sandra Raco, Laura Fautré, David Leclercq, Arnaud Van Parys et Robin Van Dyck – qui interprètent plusieurs héros de l’univers littéraire de la romancière. La scénographie est signée Léa Gardin, les costumes sont de Sophie Malacord, le décor sonore de Laurent Beumier, et la création des lumières de Félicien Van Kriekinge.

Après la découverte de la folle aventure que fût la vie d’Agatha Christie, le Théâtre Royal des Galeries propose, du 18 janvier au 1er février, de retrouver l’ambiance policière d’un de ses livres avec la reprise du spectacle Le Crime de l’Orient-Express, créé pour les fêtes de fin d’année de l’an dernier, avec Hercule Poirot comme personnage principal.

Magnifique création mondiale de Thierry Debroux – adaptée d’après le conte de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont (1711-1780) – que ce spectacle La Belle et la Bête présenté au Théâtre Royal du Parc jusqu’au 7 décembre. Une expérience théâtrale immersive mêlant la magie du conte à la beauté de la danse et de la musique. L’action se déroule en Irlande où les fées et les divinités issues de la mythologie celtique proposent de regarder, au-delà des apparences, les événements arrivant sur notre chemin. Ce qui se dresse comme un obstacle peut très bien devenir une invitation à oser et à prendre une nouvelle direction. Ce conte invite à un voyage où l'amour et la rédemption sont au cœur de l'histoire ainsi qu’à une introspection profonde.

Des chorégraphies subtiles sont intégrées au jeu scénique. Les chansons, écrites par Thierry Debroux sont interprétées par les comédiens pour donner vie à cet univers féerique et mélancolique. Les compositions musicales originales, à la croisée de styles variés tels que la folk irlandaise et la pop ainsi que des influences de la Nouvelle-Orléans, donnent une dimension enrichissante au récit.

Le village irlandais dans lequel se situe l’action est dirigé par un pasteur austère et les villageois ont perdu toute notion de plaisir. Mais ils vont la redécouvrir grâce à l’arrivée dans le village de Belle, son père et sa sœur.

Ce fabuleux spectacle La Belle et la Bête est interprété par Romina Palmeri (Belle), Nicolas Kaplyn (la Bête), Antoine Guillaume (le pasteur), accompagnés par Fabian Finkels, Marie Glorieux, Perrine Delers, Emmanuel Dell’Erba, Jérôme Louis, Stéphanie Mathys, Julie Thomas, Clara Barlow, Sabrina Gerlache et Noah Bruyninckx. La mise en scène et les splendides chorégraphies sont d’Emmanuelle Lamberts. La musique originale est l’œuvre de Nicolas Fiszman et Fabian Finkels.

Jusqu’au 9 mars 2025, The Terracotta Army and the First Emperor of China permet de voyager dans la Chine ancienne d'il y a 2.200 ans. Dans une mise en scène inédite, cette exposition rassemble, dans onze salles à Tour & Taxis à Bruxelles, plus de 300 reproductions de statues, armures, chars, armes, poteries, pièces de monnaie et objets de la vie quotidienne découverts dans les fosses de la nécropole. Ces répliques à l’identique ont été réalisées par des artisans chinois de la région où ont eu lieu les fouilles, avec un souci particulier du détail afin de conserver la beauté et l’authenticité des œuvres originales. Le réalisme de ces reproductions est renforcé par des décors impressionnants et un dispositif audiovisuel et lumineux spectaculaire. L'exposition aborde de nombreux thèmes : l'histoire du Premier Empereur, son armée originelle, ses conquêtes militaires, son empire, le processus de création des soldats de l'Armée de terre cuite, le tombeau de l'Empereur, l'histoire des fouilles archéologiques... Elle expose également des pièces impressionnantes, comme la reproduction grandeur nature de plus de 170 guerriers, présentés dans le cadre d'un spectacle son et lumière mettant en valeur la reconstitution d'une section de la fosse n°1.

Cette armée – composée de plus de 8.000 guerriers en terre cuite, 150 chars et 670 chevaux sellés et attelés, et découverte enterrée à Xi'an, dans l'est de la Chine – faisait partie du mausolée dédié au Premier Empereur de Chine et était destinée à le protéger dans l’au-delà. Comme le voulait la tradition à l’époque, c’est de son vivant que l’Empereur Qin Shi Huangdi fit bâtir sa nécropole. Sa construction dura 36 ans (entre 246 et 210 avant Jésus-Christ) et nécessita la contribution de 720.000 ouvriers. Le monument funéraire fut construit au pied du mont Li, dans l’actuelle province de Shaanxi. Classé au patrimoine culturel de l’humanité par l’UNESCO, depuis 1987, cette immense sépulture s’étend sur 56 km² – l’équivalent de l’île de Manhattan aux USA. L'Armée de terre cuite est la partie la plus impressionnante de ce tombeau. En 221 avant Jésus-Christ, la Chine fut gouvernée, pour la première fois de son histoire, par un souverain unique. Au cours des cinq siècles précédents, ce vaste territoire – correspondant à un quart de la Chine actuelle – était composé de sept royaumes en proie à des guerres incessantes. Qin Shi Huangdi put compter sur une force armée de plusieurs centaines de milliers de soldats pour mettre fin à ce chaos.

Qin Shi Huangdi ne régna que 10 ans en tant qu'Empereur. Pourtant, il laissa une trace importante dans l’histoire de la Chine : le type de gouvernement qu’il instaura resta ensuite en place, pendant près de 800 ans, sans changement majeur. Un gouvernement basé notamment sur le mérite personnel, la responsabilité collective, une organisation centralisée, la création d'un registre de population et l’introduction d'un impôt commercial. La division territoriale actuelle de la Chine fait également partie de son héritage. Qin Shi Huangdi fut également le premier souverain à vouloir utiliser une grande muraille pour protéger son empire.

Les statues de l'Armée de terre cuite, qui veillent sur le repos éternel du Premier Empereur, ont été découvertes par hasard, en 1974, par des paysans qui creusaient un puits.

L’exposition est réalisée et organisée par Tempora, conçue par Exhibition Hub.

La pièce Times Square, de Clément Koch, est présentée au Théâtre Royal des Galeries jusqu’au 24 novembre. Une comédie à huit clos pour quatre personnages, axée sur un cours de théâtre, qui offre aux spectateurs une double leçon de théâtre et de vie.

L’action a pour cadre un loft new-yorkais défraîchi, mais elle pourrait se situer n’importe où tant la portée de la pièce est universelle. Sara, serveuse dans un grand restaurant de Manhattan, rêve de devenir comédienne. Bobby, un client, lui propose de travailler l’audition du rôle de Juliette pour le Majestic Theatre, avec l’aide de son frère Matt Donovan. Ce dernier est un ancien comédien écarté du circuit pour son alcoolisme et son fichu caractère. Sous le regard bienveillant de Tyler, un acteur de rue bègue, qui amuse les touristes à Times Square, la pièce de théâtre prend graduellement l’ascendant sur l’histoire de Sara, Bobby et Matt, et rebat les cartes de leurs carrières. Sur scène évoluent des personnages écorchés par des accidents de parcours de vie, qui cachent plus ou moins leur tendresse et qui vont se tendre la main.

Cette pièce interroge sur la façon dont le théâtre traite le thème du maître et de l’élève, du spécialiste et du débutant, du savant et de l’ignorant qui cherche à s’élever. Mise en scène par Hélène Theunissen, elle est jouée par Patrick Ridremont, Margaux Frichet, Rémy Thiebaut et Nicolas Buysse. La scénographie est de Dimitri Shumelinsky et les costumes de Laurence Hermant.

Depuis le 26 juillet dernier, Harry Potter : Visions of Magic est proposé à Tour & Taxis, à Bruxelles. Il s’agit d’une célébration artistique contemporaine de la série de films emblématiques qui met à l'honneur l'univers de Harry Potter et des Animaux Fantastiques d'une manière nouvelle et étonnante. Une expérience artistique, évocatrice et interactive qui explore certains des coins les plus mystérieux du Monde des Sorciers. Créée par Warner Bros. Discovery Global Themed Entertainment et le groupe Neon, et présentée sur une superficie de plus de 3000 m², elle permet aux fans d’Harry Potter de découvrir une série d'environnements immersifs et artistiques inspirés de lieux énigmatiques tels que la Salle des Requêtes, la Ménagerie de Newt, le Ministère de la Magie et bien d’autres. Un contenu vidéo réactif, une architecture audacieuse et des paysages sonores originaux créent d’exceptionnelles installations multisensorielles, tandis que la technologie interactive invite le visiteur à développer ses propres visions de la magie. A l'aide d’une baguette magique, le visiteur dévoile les traces cachées de la magie. A cet effet, il est guidé par une équipe d'experts dans l'activation des interactions magiques, révélant des «visions de magie» au fur et à mesure de l’exploration des recoins mystérieux du monde des sorciers.

Venise sous la neige, de l’auteur et comédien Gilles Dyrek, est la comédie dynamique et hilarante présentée, cet été, par le Théâtre Royal des Galeries dans le cadre de sa tournée «Théâtre au Château» programmée du 24 juillet au 5 septembre.

Christophe a croisé le matin même un ancien copain de la fac, Jean-Luc, futur marié, qui est heureux de retrouver son ami de l'époque et s'empresse de l'inviter à dîner. Mais lorsque Christophe arrive avec sa copine Patricia, celle-ci lui fait la tête et semble bien décidée à ne pas ouvrir la bouche. Fruit de son mutisme, Jean-Luc et sa future femme Nathalie, très naïfs, la prennent pour une étrangère. Trop contente d'avoir provoqué un tel malentendu, Patricia se prend au jeu et ne résiste pas au plaisir d’entretenir le quiproquo en s’inventant une langue et un pays imaginaires. Dès lors, les rouages de ce canular improvisé se mettent en route et personne ne contrôle plus rien. Entre déchirures amoureuses et déclarations de mariage, les rôles vont s’inverser et la soirée va accumuler les catastrophes hilarantes pour le plus grand plaisir des spectateurs.

Venise sous la neige est mise en scène par Martine Willequet et interprétée par Arnaud Van Parys, Séverine De Witte, Marie-Sylvie Hubot et Marc Laurent. Le décor est signé David Michels. La pièce sera jouée en plein air dans près d’une trentaine d’endroits différents en Wallonie et trois représentations à Bruxelles.

Les conflits de la guerre de Trente Ans (14e – 15e siècles) ont eu un impact important sur l’Europe. Pour en témoigner, la Maison de l'Histoire Européenne accueille, actuellement, l'exposition internationale «Bellum et Artes - L'Europe et la guerre de Trente Ans», qui a pour thème central le rôle multiforme des arts dans cette guerre englobant la quasi-totalité du continent. «Bellum et Artes» fait partie d’une collaboration à l'échelle européenne impliquant douze institutions de sept pays. Le projet est dirigé par l'Institut Leibniz pour l'histoire et la culture de l'Europe de l'est (GWZO) et les Collections d'art d'Etat de Dresde (SKD).

L'exposition bruxelloise est organisée en collaboration avec l'équipe de la Maison de l'Histoire Européenne et met en lumière les principaux résultats et conclusions de cette coopération internationale. Elle comprend quelque 150 objets présentant les protagonistes du conflit, le rôle des arts, les mécanismes de la guerre et les horreurs qui en découlent, le boom médiatique créé par les conflits, le déplacement des œuvres d'art et la migration des artistes, le chemin vers la paix et, enfin, les liens avec la situation actuelle de l'Europe. Auxquels s’ajoute un programme d’activités telles que des projections de films, des visites guidées, des conférences et des lectures de récits tirés de correspondances de l'époque. A voir jusqu’au 12 janvier 2025.

Comédie féminine et féministe de Camille Kohler, «La vie trépidante de Brigitte Tornade» est à l’affiche du Théâtre Royal des Galeries jusqu’au 26 mai.

Adaptation d’une série de podcasts – diffusés sur France Culture entre 2012 et 2017 –, texte écrit par Camille Kohler et couronnée par le Molière de la meilleure comédie en 2020, cette pièce se décline sous forme d’instantanés de la vie quotidienne d’une femme d’aujourd’hui, prise entre ses responsabilités d’épouse, de mère et de femme active.

Proche de la quarantaine, épouse d’un mari pas très apte aux tâches ménagères et qui voue une adoration à David Bowie, maman de trois enfants envahissants, submergée et toujours dans le stress, Brigitte Tornade est au bord de la crise de nerfs, du burn-out. Sa vie est un marathon incessant. Elle slalome entre ambitions professionnelles, crises de couple et exigences des enfants. La vraie vie de famille moderne, à une époque complexe et plutôt individualiste !

Harmonie parfaite entre réalités contraignantes vécues par une femme du troisième millénaire et éléments humoristiques, cette pièce n’est ni une apologie de la vie de famille, ni sa dénonciation. Elle s’impose comme un constat réaliste sur la difficulté de jongler entre plusieurs rôles au quotidien, et de se créer se petite «bulle à soi».

A force de vouloir maintenir l’équilibre entre femme d’affaires au bureau et femme à tout faire à la maison, Brigitte Tornade, qui s’épuise dans ses journées survoltées, apparaît fragile et isolée. Un jour, elle part pour faire un jogging et fait croire à sa famille qu’elle va courir alors qu’en fait, elle s’assoit sur un banc et met juste sur «pause» sa vie trépidante. Elle réalise aussi que la planète familiale peut continuer à tourner sans sa présence.

Cette comédie, mise en scène par Damien De Dobbeleer et dont Léa Gardin signe la magnifique scénographie, est interprétée par Christel Pedrinelli qui joue le rôle de Brigitte, Nicolas Buysse celui de son mari, ainsi que Laurence Warin, Stéphane Pirard. Côté enfants, ce sont en alternance Elsa Martens et Juliette Quinet qui joue «Clémentine» ; Sacha Pirlet et Thylian Leroy sont «Octave» ; Théa De Boeck et Joanne Martens sont «Rose».

Un très beau spectacle à ne pas manquer !

A l’occasion de la présidence belge de l’Union Européenne, des élections européennes et de la Journée de l’Europe célébrée le 9 mai, plusieurs nouvelles mises en scène thématiques miniatures ont été inaugurées à Mini-Europe, sous le nom EU in ME. L’inauguration a eu lieu en présence de la ministre belge des Affaires étrangères Hadja Lahbib, de Herman Van Rompuy, président honoraire du Conseil européen et de Tom De Smedt, chef adjoint de la Représentation de la Commission européenne en Belgique. La thématique de l’UE a toujours été un fil rouge dans le parc. Mais il était intéressant de souligner, au travers des scènes miniatures, l’importance des actions de l’UE dans le quotidien des quelque 450 millions d’Européens.

En marge de cette inauguration EU in ME, l'exposition interactive Esprit de l'Europe a également été présentée : elle vise à expliquer les nouvelles mises en scène. Tout au long de l’itinéraire «Spirit of Europe», Mini-Europe illustre comment l’UE a joué un rôle clé dans de nombreux succès et montre que nous pouvons aller plus loin ensemble. Enfin, Herman Van Rompuy et Tom De Smedt, accompagnés des élèves d’une école primaire de Tervueren et de la direction de Mini-Europe – Thierry et Vinciane Meeùs –, ont planté un arbre miniature dans le parc, en contribution symbolique à l'ambition européenne de planter trois milliards d'arbres d'ici 2030.

«EU in ME» – l’Union européenne en moir – envoie à l’influence de l’Union Européenne sur notre vie quotidienne. C’est aussi l’acronyme de «l’Union européenne dans Mini-Europe», ce qui met en valeur l’importance de la présence de l’UE dans le parc. Les scènes éclairent notamment des thèmes importants comme la démocratie, la solidarité, le pacte vert pour l’Europe, le pacte sur la migration, les normes, l’économie et la politique agricole.

«Zorro» est la magnifique création mondiale actuellement présentée au Théâtre Royal du Parc : un spectacle haut en couleurs, riche en très belles chorégraphies de combat, se déroulant dans une ambiance mexicaine – où les morts côtoient les vivants – et sur fond de musiques créées spécialement pour cette version théâtrale.

Zorro est ce personnage de fiction, imaginé au début du siècle dernier par Johnston McCulley. Le metteur en scène Thierry Janssen – également sur scène dans le rôle du sergent Garcia –fait revivre la légende de ce justicier masqué, habillé d’une cape et d’un chapeau noirs, et portant une épée dans une nouvelle adaptation théâtrale. Cette fois, Zorro est un quadragénaire, obligé de reprendre du service face à l’injustice du pouvoir en place. De fait, cela fait plus de 15 ans que Don Diego de la Vega s’est juré de ne plus porter le masque et la tenue de Zorro. Mais l’arrivée d’un nouveau gouverneur aux desseins machiavéliques, les discordes avec sa fille, la disparition de son fidèle complice muet et aussi l’arrivée, dans la région, d’un faux Zorro – en réalité une femme –, contraignent Don Diego à renfiler, une nouvelle fois, son costume de vengeur masqué. En finale, tout se règle de façon spectaculaire à grands coups d’épée, avec des courses effrénées, des poursuites palpitantes dans un univers magique et très coloré. C’est un binôme féminin – Emilie Guillaume et Catherine Couchard, aussi créatrice de la chorégraphie des combats – qui ont mis ce spectacle en scène. On ne peut qu’applaudir l’excellente prestation de tous les comédiens, et en particulier celle de Othmane Moumen qui joue les personnages de Don Diego et Zorro. Un spectacle extraordinaire à découvrir jusqu’au 25 mai : les «anciens» y retrouveront un souvenir d’enfance ; les plus jeunes feront la connaissance d’un personnage aussi fascinant que leurs héros d’aujourd’hui !

Pour sa 40e édition, ART Brussels a choisi de partager son ADN culturelle dédiée à la créativité, essence même du luxe, avec l’hôtel Wiltcher’s.

L’hôtel Steigenberger Icon Wiltcher’s Brussels poursuit ainsi son projet autour de l’art et du luxe. La nouvelle exposition «EXPLORER : Beyond Fire» n’est autre qu’un véritable voyage immersif à travers ce monde captivant de Jean Boghossian, artiste belgo-libanais établi à Bruxelles depuis de nombreuses années. Au cœur de Explorer : Beyond Fire se trouve la fascination profonde de Boghossian pour les hôtels, non seulement comme lieux d’hébergement mais aussi comme des toiles d’expression et des refuges pour la réflexion. Du lobby à la Bibliothèque, du Loui Bar au Café Wiltcher’s, l’exposition présentera les œuvres de Boghossian. «EXPLORER : Au-delà du Feu» est plus qu’une simple exposition ; c’est un récit tissé à partir des fils des explorations de Jean Boghossian, de ses retours éphémères chez lui et de l’art qui fleurit de ses réflexions. Cette exposition invite à entrer dans le monde d’un véritable explorateur, à vivre la symbiose de l’art et de la vie, et à voyager au-delà du feu de la création dans le calme de la contemplation artistique.

Une soirée VIP sera organisée lors du vernissage, le 26 avril, mettant en exergue des animations, de la musique live d’un groupe de jazz, créant une expérience sensorielle immersive.

C.F.

https://steigenbergerwiltchers.com-hotel.com/fr/

Europa Expo présente une nouvelle exposition à l’espace muséal de la gare de Liège-Guillemins, dédiée à Léonard de Vinci, jusqu’au 30 juin 2024: «Da Vinci – L’artiste, l’ingénieur, le gastronome». L’exposition revient sur les raisons pour lesquelles on le considère, encore aujourd’hui, comme l’un des plus grands génies de l’Histoire, reconnu dans de nombreux domaines. Trois facettes de son héritage sont abordées : l’art, l’ingénierie et, de manière plus surprenante, la gastronomie.

Plus de 500 ans nous sépare de Léonard de Vinci… Celui qui a écrit «J’ai l’intention de laisser un souvenir impérissable dans la mémoire des mortels» est, en effet, né en 1452, dans le petit village italien de Vinci, en Toscane. Pendant toute sa vie, il a essayé de comprendre le monde qui l’entoure, en observant et en expérimentant. Il a été inventeur, architecte, théoricien, peintre, anatomiste, mathématicien...

L’exposition débute avec les peintures qu’il nous a laissées. «La Joconde», d’abord et le «Salvator Mundi», ensuite – le tableau le plus cher du monde. Qui ne connaît pas la fameuse Joconde au Musée du Louvre, à Paris ? Icône absolue de l’histoire de l’art, elle est l’oeuvre la plus visitée au monde. Plus loin, les Codex de Léonard de Vinci sont exposés. Les visiteurs peuvent admirer les plus beaux dessins sélectionnés parmi les 7.000 pages du maître, encore conservées aujourd’hui. On y découvre une quantité de réflexions et de croquis dans des domaines aussi variés que la géologie, l’optique, l’anatomie, les mathématiques, la mécanique, la physique ou encore l’astronomie. Les Codex «Arundel», «Atlanticus» et «Leicester» – dont le propriétaire n’est autre que Bill Gates – sont visibles.

La vie de Léonard de Vinci est retracée au travers des rencontres avec ses exceptionnels mécènes ou des cités italiennes pour lesquelles il a travaillé. Le parcours emmène le visiteur successivement à Milan, où l’artiste travaille pour les Sforza ; à Venise, où il est le cartographe pour les Borgia ; et à Mantoue. Léonard arrive ensuite au Vatican où deux autres artistes d’exception dominent : Michel-Ange et Raphaël. Il ne lui est confié aucun chantier important et Léonard finit par accepter l’invitation du Roi de France, François Ier. Pendant 3 ans, Léonard est installé au château du Clos Lucé. Il est nommé premier peintre, premier ingénieur et premier architecte du Roi. Il vit la plus belle période de sa carrière, aux côtés de ses deux plus fidèles disciples : Francesco Melzi et Salaï.

Après la découverte de l’homme, une autre facette essentielle de la carrière de Léonard est dévoilée : l'ingénieur et l’inventeur. Le visiteur traverse une reconstitution, grandeur nature, du char d’assaut. Les différents murs de l’espace s’animent de films 3D inédits sur les inventions majeures de Léonard : l’hélicoptère, les ponts pivotants, les écluses, les armes et les systèmes de défense. C’est dans le domaine de l’aviation qu’il est probablement le plus reconnu, et ce, bien avant que le concept d’une machine volante ne devienne réalité. Léonard de Vinci nous a laissé 500 croquis dédiés aux machines volantes et aux oiseaux en vol.

Organisée autour de la reconstitution de la cuisine idéale selon Léonard de Vinci, la dernière partie de l’exposition illustre une facette souvent ignorée : la gastronomie et l’étude des vignes. Léonard est, en effet, considéré comme le premier agronome et oenologue de l’histoire. Des experts ont mis la main sur des dizaines de dessins de machines rattachées à la sphère culinaire, ainsi qu’à la mise en scène de banquets. Le génie maîtrise, en effet, l’art de la table et des bonnes manières. Il édicte des règles pour les banquets de la Renaissance, qu’il érige au cours de son séjour chez les Sforza.

J.R.

Infos : tél.04 224 49 38 – www.europaexpo.be

Disparition d’un grand critique et historien du cinéma

L'immense Palais des Festivals à Cannes forme le centre névralgique du festival du film. Après chaque projection de presse, ses grands couloirs sont pris d’assaut par une grande partie des plus de 4 000 journalistes accrédités. Dans un brouhaha, ils échangent leurs impressions sur le film qu'ils viennent de voir en première mondiale. Des conversations animées dans toutes les langues et tonalités. De manière quasi rituelle, d’année en année, un cercle se constituait autour du critique de cinéma et historien français Michel Ciment. Son jugement était sollicité par ses confrères, français et autres. Non pas qu’ils considéraient sa parole comme sacrée, loin de là, ils étaient souvent en désaccord avec lui. Mais il leur importait de confronter leurs impressions sur le film à l'analyse pointue qu'il en faisait, aux ponts qu’il établissait avec l'œuvre de tel ou tel auteur. Leur savoir s’en trouvait grandement enrichi.

Désormais, ses brillantes analyses et références leur manqueront - et pas uniquement à eux -. Ciment est décédé le 13 novembre, des suites d'une opération à la hanche. Il avait 85 ans.

Michel Ciment doit sa renommée auprès des cinéphiles avertis à ses interventions dans "Le Masque et la Plume", l'émission hebdomadaire de France Inter qui réunit depuis des temps immémoriaux les critiques de cinéma français pour discuter des films nouvellement sortis. Ciment était un membre régulier du panel. Il y fait ses débuts en 1970 et se situe d'abord dans l'ombre des deux grands de l'époque qui se livrent des duels verbaux homériques, Jean-Louis Bory et Georges Charensol. Avec la relève de la garde, il devient une voix faisant autorité dans l'émission. Et sur France Culture, il présente le programme cinématographique « Projection privée » de 1990 à 2016.

Il était aussi à l’aise dans l’écrit qu’à l’oral. Son premier article, une critique favorable de "Le Procès", film d'Orson Welles de 1962 qui ne fut pas très bien accueilli, paraît en 1963 dans la revue cinématographique Positif. Il avait soumis sa contribution en tant que personne extérieure. Elle impressionna les rédacteurs et ils le recrutèrent rapidement. Avec le temps, il devint rédacteur en chef du magazine et le resta jusqu'à la fin.

Les opinions exprimées dans Positif différaient généralement profondément des jugements des Cahiers du Cinéma, une autre revue cinématographique. Ciment reprochait à ce magazine d'avoir une vision dogmatique du cinéma, alimentée par des préjugés. Il ne cessa d'exprimer une critique similaire à l'encontre du «triangle des Bermudes», nom qu'il donna avec dédain au trio formé par les journaux Le Monde, Libération et le magazine Les Inrockuptibles. Ses goûts correspondaient rarement à ceux du quatuor.

Beau joueur, et respectueux de la personne, le magazine vilipendé Les Cahiers du Cinéma consacre son édito du mois de décembre à Michel Ciment, sous le titre «La mort d’un critique».

Ciment avait une grande admiration pour de nombreux réalisateurs britanniques et américains et écrivit des livres sur plusieurs d'entre eux, sur Joseph Losey, sur John Boorman, Elia Kazan, Jerry Schatzberg. Sa passion pour Stanley Kubrick culmina avec le livre «Kubrick» (1980), ouvrage de référence mondiale, réimprimé à plusieurs reprises, avec une préface de Martin Scorsese. Ciment était l'un des rares à entretenir des liens étroits avec le misanthrope Kubrick. Il rencontra le maestro à plusieurs reprises pour de longues interviews. Il donnait des conférences passionnantes sur Kubrick, sans une seule note devant lui. Il ne tarissait pas d’éloges sur "2001 : L'Odyssée de l'espace", il y décelait tous les signes d'un chef-d'œuvre.

Ciment eut également des conversations approfondies avec d'autres réalisateurs célèbres. Il les rassembla dans «Passeport pour Hollywood» (1992), des rencontres avec Billy Wilder, John Huston, Joseph Mankiewicz, Roman Polanski, Milos Forman et Wim Wenders. Un long entretien avec Andreï Konchalovsky parut également sous forme de livre, bien plus tard.

Il était éclectique, comme en témoignent ses livres sur Fritz Lang, Theo Angelopoulos, Francesco Rosi et Jane Campion. Ajoutez à cela son penchant pour Marco Bellochio, Aki Kaurismaki et Nuri Bilge Ceylan. Tout récemment, lors de sa toute dernière participation au Masque et la Plume, fin septembre, il regretta que «Fallen Leaves» de Kaurismaki n'ait pas obtenu la Palme d'or à Cannes cette année.

Les réalisateurs français qui le charmèrent vraiment ont pour noms Alain Resnais (il adorait «Hiroshima, mon amour»), Jean-Paul Rappeneau, Claude Sautet et Stéphane Brizé. La Nouvelle Vague l'inspirait beaucoup moins.

Lorsqu'il n'aimait pas un film ou une critique, Ciment pouvait avoir la plume et/ou la langue acerbe, souvent avec une pointe d'humour.

Expert reconnu, il fit partie du jury de grands festivals, dont Cannes, Venise, Berlin et Locarno, à une époque où les critiques de cinéma étaient encore éligibles à ce poste. Par après, les festivals prestigieux se passèrent de critiques dans leur jury. Ciment en était très mécontent, il avait appris par expérience que les critiques portent souvent un meilleur jugement sur les films que, par exemple, les réalisateurs ou les acteurs. Lors de ces festivals importants, les responsables faisaient appel à lui pendant de longues années pour animer des master class avec d'illustres cinéastes. Après tout, il connaissait leur parcours de fond en comble.

Il avait eu, entre autres, de longues conversations avec les plus célèbres réalisateurs américains. « Une Renaissance américaine » (2014) a rassemblé ses entretiens avec 30 d'entre eux, sur une période de plus de 40 ans, de Clint Eastwood à Francis Ford Coppola (il passa une semaine chez le cinéaste à San Francisco), de Michael Cimino à Sydney Pollack, de Woody Allen à Robert Altman. Il fut le seul critique français à entretenir également des contacts réguliers avec le mystérieux Terrence Malick.

Ciment forçait le respect bien au-delà de ses propres frontières, non seulement en raison de ses connaissances cinématographiques encyclopédiques et de l'excellente manière dont il les transmettait. La facilité avec laquelle il incluait d’autres formes d’art dans ses réflexions sur tel ou tel film était fascinante. Boulimique, il était avide de toutes les expressions culturelles, avec une préférence pour la littérature et la peinture. Il lisait beaucoup, pouvait traverser le pays pour visiter un musée, remuait ciel et terre pour obtenir une invitation au vernissage d'une exposition, assistait souvent à des pièces de théâtre, une somme de livres dans son sac. Il consacra toute sa vie à l'art. Le cinéma résume toutes les autres formes d’art, les synthétise, affirmait-il. Lorsqu'il rencontrait une connaissance, il ne la saluait pas par le banal «Comment vas-tu ?», mais par «Qu'as-tu vu ?»

Pour le bonheur de nombreux cinéphiles, Ciment publia à 80 ans «Une vie de cinéma» (2019), un livre en cinq parties contenant une cinquantaine de textes choisis, édités au cours de sa carrière, souvent fruits de ses voyages, reportages et rencontres. Il y inséra ses conversations avec les lauréats du prix Nobel de littérature Imre Kertesz, Mario Vargas Llosa et Harold Pinter. Il leur demanda ce qu'ils pensaient de l’art cinématographique.

Son faible déclaré pour les réalisateurs britanniques et américains provenait en partie de sa formation, car il poursuivit ses études aux États-Unis et y découvrit le cinéma américain. Plus tard, il enseigna la civilisation américaine et britannique, d'abord dans l'enseignement secondaire, puis à l'université Paris-VII. Il se targuait de pouvoir exprimer librement et franchement ses opinions grâce à son indépendance financière acquise.

Il décrivit ainsi l’exercice de critique d'un film : «un mélange de recherche et d'approche relativement objective, et en même temps d’expression du goût et du rapport personnel à l'œuvre». Il ne tenait pas en haute estime la nouvelle génération de critiques de cinéma, il les trouvait généralement populistes et élitistes.

Son enthousiasme pour visionner de nouveaux films resta intact jusqu’au bout : «Je vais au cinéma pour faire des découvertes. C'est ma passion. Pour voir des premiers films, découvrir de nouveaux talents et les soutenir. Et la deuxième raison est : pour comprendre le monde et me comprendre moi. Pour devenir plus sage.»

Une infirmière recueillit ses derniers mots : «Je vais aller voir un film ce soir».

Les Musée & Jardins van Buuren – un des joyaux culturels de Bruxelles – ont intégré, cette année, le réseau international European Route of Historic Gardens, un réseau exclusif de sites emblématiques partageant une passion commune pour l'histoire, l'art et l'architecture des jardins, tels notamment les jardins de Boboli à Florence (Italie) et le parc Serralves à Porto (Portugal). Fondée en 2016, l’European Route of Historic Gardens a pour mission de préserver et de promouvoir le patrimoine culturel lié aux jardins historiques en Europe, tout en encourageant les échanges culturels et le tourisme durable. Les jardins van Buuren sont les premiers jardins belges à rejoindre ce prestigieux itinéraire culturel, placé sous l’égide du Conseil de l’Europe.

Edifiée en 1928, la maison-musée du couple David et Alice van Buuren est un exemple remarquable de l'Art déco et abrite un mobilier rare, des tapis signés, des vitraux, des sculptures et une collection exceptionnelle de tableaux de maîtres belges et internationaux, du 15e au 20e siècle. Les jardins qui l’entourent constituent un véritable chef-d’œuvre de l'art paysager et sont considérés comme l'un des exemples les plus raffinés et les mieux préservés des jardins de l’entre-deux-guerres en Belgique. Ces jardins d'une superficie initiale de 26 ares en 1924, s'étendent aujourd'hui sur 1,2 hectare.

Les Jardins van Buuren ont été créés par les célèbres architectes-paysagistes belges, Jules Buyssens (1872-1958) et René Pechère (1908-2002). Comme le précise le Président en exercice de l’European Route of Historic Gardens : la contribution des deux concepteurs, associée à la sensibilité artistique de la famille van Buuren ainsi qu'à l'engagement et à l'attention de la direction du musée, est aujourd'hui reconnue non seulement par les habitants de Bruxelles, mais aussi par l'ensemble des Européens. Et Manon Magotteaux, Conservatrice des lieux, d’ajouter : les Musée & Jardins van Buuren incarnent bien plus que des espaces d'une beauté exceptionnelle; ils reflètent l'histoire, la créativité ainsi que la relation profonde entre l'humanité et la nature.

M.VD.

Musée et Jardins van Buuren : 41 Avenue Léo Errera – 1180 Bruxelles – www.museumvanbuuren.be

Fondé en 1994, Pairi Daiza permet aujourd’hui aux visiteurs de découvrir plus de 7.000 animaux de 800 espèces différentes, sur quelques 75 hectares de superficie. Mais Pairi Daiza n’est pas seulement un parc animalier. Il se veut également une vitrine du patrimoine industriel. A ce titre, Pairi Daiza vient d’acquérir une locomotive à vapeur belge originaire du Hainaut. Construite en 1900 par la Société Métallurgique de Couillet, elle a été utilisée dans des mines espagnoles, achetée par un collectionneur britannique et conservée par une société de chemins de fer du Pays de Galles. 123 ans après sa fabrication à Couillet, ce joyau est de retour en Belgique. C’est dans les ateliers du Parc que la locomotive va bénéficier d’une restauration complète. A ce jour, Pairi Daiza possède 6 anciennes locomotives à vapeur dont 4 sont en état de fonctionnement. La construction de la ligne de chemin de fer Pairi Daiza Steam Railway et la remise en état des locomotives représentent une passion et un travail quotidien pour l’équipe des cheminots du Parc. La petite vitesse des locomotives est parfaitement adaptée à un agréable voyage dans le Jardin des Mondes et permet aux visiteurs de profiter du Parc d’une autre façon et d'observer de nombreux animaux d’un point de vue différent.

La «Couillet», reine de la collection de Pairi Daiza, est visible dans le hangar des trains installé dans la Terre du Froid, devant l’Izba.

www.pairidaiza.eu

Le Théâtre de la Gaîté, situé au cœur de Bruxelles, accueille, depuis le début du mois de juillet 2022, le plus grand Musée de l’Illusion d’Europe. Un tout nouveau musée dont l’objectif est d’initier ses visiteurs – toutes générations confondues – au monde fabuleux de l’illusion d’optique. Sur plus de 700 m² de superficie, il plonge les visiteurs dans une expérience pédagogique et ludique unique, conçue pour s’instruire en s’amusant. La collection présentée met l’accent sur la manière dont fonctionne notre cerveau et dont nous gérons notre perception des choses, en rappelant que la perception n’est bien souvent qu’une mystification et qu’il suffit d’un regard différent pour appréhender le monde autrement. Tout au long du parcours on découvre des illusions d'optique, tantôt amusantes tantôt déplaisantes si on ne comprend pas la manière dont notre cerveau a été piégé. Et le directeur du musée, Damir Cicak, de préciser : «Le visiteur découvre que ce que le cerveau décode par le biais des sens n’est pas nécessairement la réalité»... «En ces temps où les prises de position se font et se défont à la vitesse de l’éclair, en partie à cause des réseaux sociaux, et où le dialogue tend à faire figure de parent pauvre, le musée interpelle les visiteurs sur les faits tout en leur prodiguant un conseil judicieux : vérifiez d’abord si votre perception est bien la bonne. D’autres verront peut-être certaines choses qui vous échappent. Cette perspective est, peut-être, plus précieuse encore que l’expérience elle-même».

Musée de l'Illusion : 18 rue du Fossé aux Loups – 1000 Bruxelles – tél. +32 2 219 23 50 – Museumofillusions.be