Culture
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Après une première expérience au musée d'Ixelles, les artistes Stephan Balleux et Cédric Dambrain ont souhaité développer leur collaboration et explorer un champ d'expression commun par le biais de l'exposition «Bounce» présentée, jusqu'au 21 novembre, au Museum du Botanique. Cette exposition inédite, pensée comme une expérience, désigne la mise en relation comme l'un des enjeux fondamentaux de la question artistique actuelle.
Stephan Balleux y présente plusieurs ensembles de peintures et de dessins, travaillés sur des supports multiples : papier, cuivre, bois et toile. On découvre de grands tableaux figuratifs dont les sujets organiques font référence à la fluidité vitale (une mer déchaînée sans horizon, un perroquet rieur, une jungle écrasée de soleil, un jardin de nuit vide, un portrait énigmatique, un nid de frelons, etc.), ainsi qu'un ensemble de peintures faussement abstraites. Les oeuvres exposées ont été créées avant, pendant et après le premier confinement lié à la pandémie de Covid-19. Il en résulte un ensemble complexe qui fait écho aux incertitudes et instabilités que la pandémie a engendrées.
Quant à Cédric Dambrain, il propose un enchevêtrement de sons diffusés dans l’espace au moyen de haut-parleurs directionnels et de réflecteurs. Cette trame complexe de stimulations sonores directes et réfléchies encourage le visiteur à explorer la structure spatiale du dispositif en même temps que sa propre perception. Les réflecteurs suspendus dans l’espace se présentent comme des monochromes noirs qui viennent soutenir visuellement l’effet produit par le son.
S.D.
Photo : © Stephan Balleux – Nid de frelons – Huile sur toile, 200x160 cm.
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«Pars pro toto – Une partie pour le tout» est le titre de la nouvelle exposition de la plasticienne et performeuse Silvia Hatzl, présentée à la Chapelle de Boondael à Ixelles, jusqu'au 31 octobre. L’installation est mise en résonance avec des performances musicales et théâtrales, ainsi que des conférences et, chaque semaine, un(e) peintre expose ses œuvres dans le cœur de la Chapelle. Sculptrice, scénographe et créatrice de costumes de théâtre, Silvia Hatzl (1966) travaille à Bruxelles et dans sa Bavière natale. Ses œuvres parcourent les collections et musées internationaux.
L'exposition «Pars pro toto» prend la forme d’un cortège monumental, composé d’une soixantaine de sculptures de tissu, opaques ou diaphanes. Au produit fonctionnel qu’est le vêtement, Silvia Hatzl préfère l’habit pour désigner le sujet de sa recherche artistique. Chacune de ses créations transforme, déroute ou exalte le regard. Petites ou grandes, diaphanes ou profondément sombres, drapées, tendues ou enrobées, ses sculptures de tissu sont façonnées à partir d’éléments organiques – soie, papier, coton, chairs, boyaux, cendres – et de pigments naturels. Elles s’apparentent à des secondes peaux qui conservent les traces des vivants qui les ont habitées.
S.D.
Photo : © Silvia Hatzl
ArtContest a pour vocation de révéler, de suivre et d’accompagner le travail de jeunes artistes contemporains sur le long terme. Sa philosophie consiste à contribuer à leur évolution et à favoriser la réflexion de leurs pratiques et de leurs positions, en tant qu’artistes, dans la société d’aujourd’hui.
L’asbl ArtContest met tout en œuvre pour offrir un maximum de visibilité aux participants (expositions, site web, réseaux sociaux, édition d’art…) et d’opportunités de rencontrer les professionnels du milieu de l’art.
Chaque année, depuis 2005, le concours ArtContest sélectionne dix candidats dont les œuvres sont exposées, durant le mois de septembre dans le Bâtiment Vanderborght à Bruxelles, et parmi lesquels le jury choisit trois lauréats.
Dans le contexte actuel de crise sanitaire, un Prix spécial Covid – à savoir, la remise d'une bourse de 500 € à chacun des 10 artistes sélectionnés – est attribué cette année.
Cette année aussi, deux nouveaux partenaires sont accueillis : la Fondation CAB qui accueillera un artiste en résidence et la Fondation Carrefour des Arts qui exposera un autre artiste.
Parmi les 180 dossiers reçus pour cette 17e édition d'ArtContest, le jury a sélectionné les dix artistes suivants, dont le travail semblait le plus construit et cohérent : Camille Le Meur, Eloïse Lega, Florinda Ciucio, Helen Anna Flanagan, Jolijn Baeckelandt, Juanan Soria, Kasper De Vos, Lola Daels, Merzedes Sturm-Lie et Pauline François. Leurs travaux sont à découvrir au Bâtiment Vanderborght (50 rue de l’Ecuyer 50 (4e étage) à 1000 Bruxelles), du 2 au 26 septembre 2021.
Les lauréats de cette édition 2021 sont : la Belge Eloïse Lega, qui remporte le premier prix; la Britannique Helen Anna Flanagan reçoit le deuxième prix; et le lauréat du troisième prix est l'Espagnol Juanan Soria.
S.D.
Depuis dix ans, Mécaniques Discursives rencontre un large succès public dans le monde. Fantasmatique, ludique et poétique, l’installation s’inscrit dans une approche singulière et innovante, à la croisée de la gravure et de la création numérique. Cette fresque vivante et évolutive hors du commun, véritable laboratoire d’expériences visuelles, est le fruit de la rencontre entre le vidéaste et plasticien Yannick Jacquet et le graveur Fred Penelle.
En ce mois de septembre, LaVallée accueille «Ne Suivez Pas Le Guide !», une exposition monographique consacrée à l'infatigable recherche menée par les deux artistes. En effet, cette exposition itinérante de Mécaniques Discursives présente, du 2 au 26 septembre sur les 1000 m² d’espace de LaVallée à Bruxelles, une sélection d’une dizaine d'œuvres, créées in situ entre 2011 et 2020. Le parcours plonge le visiteur dans l’univers critique et malicieux de Fred Penelle et Yannick Jacquet, à la découverte des différents formats et technologies qui accompagnent leur langage plastique.
Avec plus de 60 créations éphémères exposées à travers le monde, Mécaniques Discursives s’inscrit dans une approche singulière et audacieuse, à la croisée de pratiques aussi éloignées que complémentaires : la gravure sur bois et la création numérique. Conjuguant la plus ancienne méthode de reproduction d’image et les technologies les plus contemporaines, Mécaniques Discursives propose un temps de suspension entre deux époques, celle de Gutenberg et celle des Big Data. Articulées sur le principe de la réaction en chaîne, ces créations mettent en scène des machineries oniriques et poétiques, tantôt graves, tantôt joyeuses, qui se développent sur les murs.
www.mecaniques-discursives.com
D.T.
LaVallée : 39 rue Adolphe Lavallée – 1080 Bruxelles
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«Pars pro toto - Une partie pour le tout» est le titre de la nouvelle exposition de la plasticienne et performeuse Silvia Hatzl, présentée à la Chapelle de Boondael à Ixelles, du 23 septembre au 31 octobre. L’installation sera mise en résonance avec des performances musicales et théâtrales, ainsi que des conférences. Peintre et sculptrice, Silvia Hatzl (1966) travaille à Bruxelles et dans sa Bavière natale. Scénographe et créatrice de costumes de théâtre, ses œuvres parcourent les collections et musées internationaux.
L'exposition «Pars pro toto» prend la forme d’un cortège monumental composé d’une soixantaine de sculptures de tissu, opaques ou diaphanes. Au produit fonctionnel qu’est le vêtement, Silvia Hatzl préfère l’habit pour désigner le sujet de sa recherche artistique. Chacune de ses créations transforme, déroute ou exalte le regard. Petites ou grandes, diaphanes ou profondément sombres, drapées, tendues ou enrobées, ses sculptures de tissu sont façonnées à partir d’éléments organiques : soie, papier, coton, chairs, boyaux, cendres et de pigments naturels. Elles s’apparentent à de secondes peaux qui conservent les traces des vivants qui les ont habitées.
L’exposition accueillera les performances théâtrales de Bénédicte Davin et Sabine Oosterlynck, et de nombreuses propositions musicales de Joseph Maria Balãnya, Pierre Coulon, Bénédicte Davin, Raymond Delepierre, Jean-Paul Dessy, Stéphane Ginsburgh, Walter Hus, Lithos Music, Seijiro Murayama, Baudouin Oosterlynck ou Daniel Stokart.
Chaque semaine un(e) peintre – Edith de Vries, Richard Laillier, Susanna Malzacher, Francis Schmetz, Michel Thuns ou C.A. Wasserburger –, exposera des œuvres dans le cœur de la Chapelle, en partage et résonance avec l’installation centrale.
S.D.
Chapelle de Boondael : 10 square du Vieux Tilleul – 1050 Bruxelles
Photo : © Silvia Hatzl - Pars pro toto / www.silviahatzl.com
«Mode 2.021 Anvers – Mode/Engagée» est l’ambitieux programme de réouverture lancé par le Musée de la Mode d’Anvers (MoMu), en collaboration avec la ville d’Anvers et visitflanders.
Du week-end d’ouverture, les 4 et 5 septembre 2021, jusqu’à fin janvier 2022, le MoMu va essaimer la culture de la mode dans toute la ville en enchaînant expositions fascinantes, projets en plein air, promenades à thème et animations diverses. Le fil conducteur de toutes ces activités : la transition à l’échelle globale et les changements significatifs que connaît le monde de la mode.
Le «2.0» de Mode 2.021 symbolise la réinitialisation générale dans le secteur, une remise en cause qui a été accélérée par la crise sanitaire du Covid. Le nom «Mode/Engagée» évoque un message multiple. La mode est un secteur industriel en mutation numérique, le styliste a un rôle prépondérant à jouer et le consommateur est, de plus en plus, sensible aux enjeux écologiques. Cette appelation souligne également que le style vestimentaire répond à des choix conscients et rappelle la position internationale de la cité scaldienne dans l’évolution de la mode, une ville qui attire tout autant les acteurs du secteur du monde entier que ceux qui remettent son mode de fonctionnement en question.
L'objectif est d’ouvrir le MoMu au grand public en le présentant comme un hub de la mode et un lieu de rencontre qui offre un panorama de la discipline aussi vaste que possible. Le musée a été rénové et sa réouverture sera naturellement le grand évènement du projet «Mode 2.021 Anvers – Mode/Engagée». Le MoMu a élaboré un programme de réouverture qui s’intéresse tout particulièrement aux grands changements d’aujourd’hui et de demain.
L.B.
MoMu : Nationalestraat 28 -– 2000 Antwerpen – tel. 03. 470 27 70 – www.momu.be
© Photo : Hanna Moon - Creative director : Isabella Burley, Stylist : Agata Belcen, Casting : Sarah Small, Make-up : Inge Grognard, Hair : Kiyoko Odo, Fashion : Botter, Model : Feran Mieso, Production : Thea Charlesworth
Article mis en ligne en août 2021
Construit entre 1661 et 1672 et inscrit au patrimoine mondial de l’Unesco depuis 1999, le Beffroi de Mons – symbole culminant de la ville et unique beffroi baroque de Belgique – a connu une restauration exceptionnelle pendant trente ans.
Avec ses 365 marches, ses 87 mètres de haut et ses 49 cloches, le Beffroi de Mons, a traversé et marqué l’Histoire de la région.
Du 10 juillet 2021 au 2 janvier 2022, la Salle Saint-Georges accueille une exposition intitulée «Le Beffroi de Mons : l'histoire d'une incroyable restauration (1983-2015)» qui dévoile les multiples aspects et chapitres de cette vaste aventure architecturale et humaine, au cœur de Mons.
Un parcours retrace les trois décennies de cette aventure hors-norme, au travers des traces, documents et témoignages laissés par deux générations d’artisans, d’architectes et d’experts.
Au cœur de l'exposition, une série de témoignages inédits (architectes, ingénieurs, tailleurs de pierre, etc.) ainsi que de nombreux dessins, photos, peintures, vidéos et objets issus des collections de la Ville de Mons, précieusement conservés, racontent l'histoire de cet incroyable chantier.
Six chapitres, précédés d’une introduction et d’une mise en contexte historique, constituent le parcours de l’exposition. Restauration du bulbe, des toitures et de l’étage des cloches, restauration des façades, travaux intérieurs et aux abords du square de la rue des Gades... Chaque section du parcours coïncide à une phase spécifique des travaux.
Cette exposition s’adresse tant au grand public qu'aux professionnels, chercheurs et étudiants. L’occasion, pour les visiteurs, de se réapproprier cette histoire constitutive de Mons et de son patrimoine. A découvrir jusqu'au 2 janvier 2022.
S.D.
www.visitmons.be - www.sallesaintgeorges.mons.be
Photo : Aménagement du Beffroi de Mons, avec au centre l'ascenseur panoramique (phase VI) / cliché : S. Brison, © Ville de Mons.
Article mis en ligne en juillet 2021
Tous les visiteurs du Parc Pairi Daiza peuvent désormais observer les manchots pour lesquels un territoire remarquable a été construit sur le site. Il s'agit d'un territoire de 850 m² adapté au comportement naturel de ces animaux, conçu dans un esprit de développement durable et doté de lumière naturelle, de revêtements de sols variés, d’un air assaini et d’un bassin d’eau salée.
Dans la «Grotte aux manchots», la température ambiante est maintenue à une moyenne de 4°C avec un maximum absolu de 7°C. Des recherches récentes ayant montré combien le spectre lumineux est fondamental pour le bien-être de ces animaux, l'enclos est doté d'une grande verrière de lumière naturelle de 100 m² qui ouvre le plafond de la grotte vers le ciel, juste au-dessus du territoire principal nommé «l’île». Les besoins en rayons UV sont donc fournis par la lumière naturelle, tandis qu’un complément de lumière est prodigué par un système d'éclairage artificiel, basé sur un mélange d’ampoules LED et halogènes.
D’une taille de 850 m², dont 300 m² réservés aux visiteurs, la «Grotte aux manchots» veille à la bonne condition physique de ses habitants et leur permet d’exprimer au mieux leurs comportements naturels. Leur habitat consiste en trois zones, établies sur deux niveaux : l'île (212 m², le bassin (350 m³) et la mezzanine (140 m²). La première est composée de plusieurs plateformes séparées par des espaces rocheux permettant un comportement territorial et une appropriation par les couples. Au sol, différents types de revêtements, tels que des galets naturels pour la construction de nids, des plages en galets stabilisés, des rochers pour permettre l'escalade et le positionnement en hauteur. Le bassin offre une profondeur variable de 3 m à 80 cm. Les manchots pouvant passer 75% de leur vie en mer, ce bassin a été construit suffisamment grand et long pour que les manchots puissent y déployer toute leur capacité de nage. Quant à la mezzanine – aussi appelée promenade des manchots –, elle contient l'aire de nourrissage où, après s'être nourris, les manchots continuent leur parcours le long de la mezzanine, passent devant les visiteurs pour, ensuite, redescendre via une rampe de glisse et rejoindre l’île qui abrite la olonie.
Afin de permettre aux visiteurs de bien pouvoir observer les manchots, différents points de vue ont été aménagés : de plain-pied avec la colonie sur l’île, en vision subaquatique et en hauteur le long de la mezzanine, ou encore dans les quatre chambres qui proposent des expériences uniques au contact des manchots.
Actuellement, douze manchots papous – 5 mâles et 7 femelles âgés de 1 à 35 ans – résident dans la «Grotte aux manchots». Ils ont été confiés au Parc Pairi Daiza par l’Oceanografic Valencia (Espagne), le Zoo d’Anvers et le Zoo de Munich (Allemagne). Depuis leur arrivée en février 2021, ils forment une colonie bien soudée.
Les manchots papous sont des oiseaux vivant en Antarctique. A ce stade, ils sont classés en «préoccupation mineure» sur la liste rouge des espèces en danger dans la nature de l’Union Internationale pour la Conservation de la Nature. Plusieurs menaces pèsent toutefois sur l’espèce dans son milieu naturel : surpêche, capture accidentelle dans les filets de pêche, pollution générée par les exploitations pétrolières, ingestion de particules plastiques, réchauffement climatique qui fait fondre la banquise où ils doivent trouver des partenaires, s’accoupler et élever leurs petits. Pour protéger le manchot papou à long terme, Pairi Daiza participe à un programme européen coordonné par l’Association européenne des Zoos et Aquariums.
C.F.
Photos : © Pairi Daiza / 1. île aux manchots et 2. bassin de la grotte aux manchots.
Article mis en ligne en juillet 2021
Les Musées royaux d'Art et d'Histoire de Bruxelles conservent une belle collection de vitraux, constituée de plus de 350 œuvres datant du 13e au 20e siècle. Grâce au projet de recherche interdisciplinaire «Fenestra - 800 ans d’histoire du fenestrage» - qui, démarré en 2017 et coordonné par le département de physique appliquée et de photonique de la Vrije Universiteit Brussel, réunit les Musées royaux d'Art et d'Histoire, l’Institut royal du Patrimoine artistique, avec la collaboration du University College London et l’Institut de Recherche sur les Archéomatériaux d’Orléans -, cet ensemble qui constitue une ressource importante pour l’étude du «verre plat» dans les anciens Pays-Bas, est maintenant analysé, conservé dans de bonnes conditions, valorisé et en partie exposé.
Longtemps «oubliée», la collection des Musées royaux d'Art et d'Histoire est une véritable référence dans le domaine du vitrail en Belgique. Les 350 œuvres sont désormais consultables dans le catalogue en ligne du musée (Carmentis projet Fenestra).
Depuis le 2 juillet 2021, une sélection de médaillons issus de cette collection est exposée au Musée Art & Histoire. Ces petits panneaux de verre incolore sont généralement circulaires, d’où le nom de «médaillon» ou «rondel», et sont rehaussés d’un décor peint. Les rondels exposés datent des 16e et 17e siècles, période pendant laquelle les arts verriers des Pays-Bas et de la principauté de Liège étaient en plein essor.
L’exposition «Médaillons - Des miniatures sur verre» retrace, dans un premier temps, l’évolution technologique et artistique du verre peint. La seconde partie de l’exposition s’attache aux thèmes représentés sur les rondels. Ceux-ci sont souvent peints de scènes religieuses - illustrant les saints patrons ou les scènes bibliques -, ou encore de représentations profanes répondant aux goûts nouveaux de la clientèle aisée qui se développait à l’époque. Les rondels forment parfois des séries, illustrant différents épisodes d’un même récit. Ils sont souvent inspirés de copies de tableaux de peintres réputés. L’essor de la gravure et l’invention de l’imprimerie ont permis, par la suite, aux peintres-verriers d’avoir accès à de nouveaux modèles.
Enfin, l’exposition aborde la question des centres de production. Si, au cours des 16e et 17e siècles, la production de rondels devint une industrie florissante aux Pays-Bas, leur attribution à l’un ou l’autre atelier, est souvent difficile. Pour distinguer le travail des peintres-verriers actifs à Anvers, Bruges, Gand, Malines, Bruxelles, Louvain, Liège où d'ailleurs, il faut se baser sur l’iconographie, la technique utilisée et le style, ou encore la provenance des pièces.
C.F.
Photos : © KIK-IRPA, Brussels / 1. Panneau incluant un rondel – Ancien Hôpital Sainte Elisabeth de Lierre, milieu du 16e siècle, et 2. Médaillon «Scène de l’histoire du fils prodigue» attribué à Dirk Vellert – Anvers, 1530-1545.
Article mis en ligne en juillet 2021
Inauguré en septembre 2020, le KBR museum a pour mission de valoriser un trésor national caché depuis 600 ans : la Librairie des Ducs de Bourgogne et ses superbes manuscrits du XVe siècle. Tous les six mois, le musée expose une nouvelle sélection d’ouvrages provenant de cette collection exceptionnelle. De fait, les manuscrits du KBR museum sont trop fragiles pour être exposés en permanence. Aussi, après six mois passés en vitrines, les folios doivent être protégés de la lumière durant six ans. Selon les normes internationalement reconnues, l’exposition d’un parchemin ne peut dépasser 12.500 heures/lux par an.
Depuis le 11 mai dernier, une nouvelle sélection de manuscrits et de miniatures provenant de la Librairie des Ducs de Bourgogne y est exposée.
La nouvelle sélection présente des documents uniques ainsi que des miniatures provenant du Recueil des histoires de Troie ou du Livre des faits d’armes et de chevalerie, ainsi que le second volume des Chroniques de Hainaut. Au total, 77 nouveaux manuscrits sont à découvrir.
Toutefois, les manuscrits qui ont été exposés précédemment restent accessibles en ligne via Belgica, la bibliothèque numérique de KBR (https://belgica.kbr.be). Il est d’ailleurs possible de feuilleter la quasi-totalité des manuscrits de la Librairie des Ducs de Bourgogne sur le site www.kbr.be. L’application permet même d’agrandir les miniatures dans leurs moindres détails.
S.D.
KBR museum : Mont des Arts 28 – 1000 Bruxelles – www.kbr.be
Photo : Jacques de Guise, Chroniques de Hainaut, vol. II. Traduction de Jean Wauquelin – Pays-Bas méridionaux (Mons et Bruges), seconde moitié du XVe siècle. Le roi Radbod emporté par les démons
Article mis en ligne en mai 2021
Après le Varusschlacht Museum de Kalkriese et le Bundestag de Berlin en Allemagne, la Fondation Boghossian accueille – au Project Space de la Villa Empain – l'exposition « Trees for memories », du 4 juin au 24 octobre. Elle sera, ensuite, visible au Parlement Européen à Bruxelles, en novembre 2021, avant d’être présentée, en 2022, à l’ONU à New York.
Cette exposition réunit les œuvres de 31 artistes de réputation internationale. Un siècle après la fin de la Première Guerre mondiale, leurs œuvres constituent, chacune à leur manière, un plaidoyer pour la paix.
Ces oeuvres ont pour point de départ commun un bloc de chêne carré (30 x 30 x 30 cm). Ce bois, issu d’une section du front en Alsace, porte encore en lui les stigmates de la guerre. Par les blessures qui leur ont été infligées, les fragments de projectiles en métal encore incrustés à l’intérieur, ainsi que le noircissement de leur surface, ces blocs de bois sont à la fois des reliques et des témoins de la guerre.
«Trees for memories» rassemble des artistes qui se sont unis pour donner voix au bois, afin que les arbres puissent raconter leur histoire. Cette exposition cherche à définir un modèle de coexistence pacifique et non-violente : en présentant les oeuvres d’artistes mondialement réputés, tous issus de pays ayant participé militairement à cette guerre, elle proclame la capacité de l’art et des artistes à changer le monde et à permettre une coexistence plus pacifique.
Les artistes exposés sont Aljoscha (Ukraine), Miroslaw Balka (Pologne), Jean Boghossian (Arménie), Christian Boltanski (France), Monica Bonvicini (Italie), Wim Botha (Afrique du Sud), Greta Brătescu (Roumanie), Pedro Cabrita Reis (Portugal), Tony Cragg (Royaume-Uni), Berlinde De Bruyckere (Belgique), Braco Dimitrijević (Croatie), Cevdet Erek (Turquie), Fiona Hall (Australie), Sadaharu Horio (Japon), IRWIN (Slovénie), Ilya & Emilia Kabakov (Russie), Anish Kapoor (Inde), David McCracken (Nouvelle-Zélande), Hermann Nitsch (Autriche), Roman Ondak (Slovaquie), Sándor Pinczehelyi (Hongrie), Sean Scully (Irlande), Kiki Smith (États-Unis), Nedko Solakov (Bulgarie), Costas Varotsos (Grèce), Rirkrit Tiravanija (Thaïlande) , Jana Sterbak (Canada), Raša Todosijević (Serbie), Günther Uecker (Allemagne), Huang Yong Ping (Chine)et Jana Želibská (Tchèquie).
D.T.
Photo : Anish Kapoor, Untitled, 2018 – «Un sanctuaire pour les morts, les blessés, et à la mémoire des laissés pour compte. Soyons vigilants, cela peut et va se reproduire si nous le permettons»
Article mis en ligne en mai 2021
La Fondation Folon, située à La Hulpe, présente une nouvelle exposition temporaire intitulée «Les Affiches de Folon» qui se tiendra jusqu'au 7 novembre prochain. L’exposition présente une sélection des plus belles et plus rares affiches de l’artiste, mais aussi des esquisses et des aquarelles inédites qui éclairent le processus de création et enrichissent la découverte.
De sa première affiche pour un court-métrage de Maurice Pialat en 1961 à sa dernière annonçant «Folon Firenze», son exposition à Florence en 2005, l'artiste Jean-Michel Folon (1934-2005) a incontestablement marqué l’art de l’affiche. Dès les années soixante, il est sollicité pour la création d’affiches de cinéma et, durant toute sa carrière, il est resté attaché au monde du cinéma. Il a également très souvent fait la promotion d'événements en tous genres, qu’ils soient culturels, scientifiques ou sportifs. Mais dans les années 1970, Folon s'est détaché de plus en plus des projets commerciaux pour se tourner vers des projets de défense de l'environnement et de défense des droits de l’Homme. C'est également durant cette décennie, qu'il a commencé à utiliser l’aquarelle, puis les crayons de couleur et, enfin, l’eau-forte aquatinte. Autant de techniques qu’il a traduites ensuite en offset pour ses affiches. Dès les années 1980, Folon a aussi beaucoup travaillé dans le secteur des arts de la scène en réalisant de nombreux décors de théâtre et d'opéra.
Ses affiches racontent une histoire en une seule image. Son langage artistique est d’autant plus intrigant qu’il est simple, délimité par un alphabet choisi de signes, dans lequel son personnage occupe une place centrale, ainsi que l’oeil soleil ou la main géante.
S.D.
Tél. 02. 653 34 56 – www.fondationfolon.be
Photo : Exposition "Les affiches de Folon" / © Fondation Folon – ADAGP, Paris, 2021.
Avec «Origami for Life», imaginé par l'artiste et designer belge Charles Kaisin, ce sont plus de 20.000 oiseaux de papier qui s’emparent du grand hall d’entrée des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, jusqu'au 31 décembre 2021.
Cette gigantesque installation – de 5 mètres de haut sur 16 mètres de long – est une œuvre artistique participative, créée lors du premier confinement en mars 2020. A cette époque, Charles Kaisin avait invité le public à fabriquer des origamis et à les lui envoyer. Pour chaque origami récolté, un apport financier de mécènes venait soutenir la recherche scientifique dans la lutte contre la Covid-19.
Un an après le début de la pandémie, ce projet collaboratif souligne plus que jamais l’importance de l’entraide et de la solidarité, tout en proposant un moment de poésie et d’évasion, dans le plus grand musée d’art de Belgique, jusqu’à la fin de cette année.
Charles Kaisin animera personnellement huit ateliers créatifs au sein du musée en mai et juin 2021. Ces ateliers sont organisés spécialement pour les enfants du personnel soignant du CHU Saint-Pierre (Bruxelles). Et durant l'été, des visites-découvertes de l’installation seront également proposées aux enfants des centres aérés de la Ville de Bruxelles.
S.D.
Photo : Installation «Origami for Live» de Charles Kaisin / © Nicolas Lobet.
Article mis en ligne en mai 2021
Dès le 1er septembre, la Porte de Hal – Boulevard du Midi à Bruxelles – rouvre ses portes au public, qui pourra à nouveau y venir découvrir l’histoire médiévale de la ville de Bruxelles et le siècle du peintre Peter Bruegel en toute sécurité. En effet, il a accès aux collections permanentes ainsi qu'à l’exposition temporaire «Back to Bruegel», en parcourant toute la Porte de Hal jusqu’à l’incroyable panorama sur Bruxelles depuis le chemin de ronde, en passant par des escaliers médiévaux habituellement inaccessibles au public.
Pour réaliser un parcours respectant la distanciation sociale et permettant de visiter l’intégralité du bâtiment et de l’exposition, les visiteurs sont invités à emprunter un «passage secret» par les escaliers médiévaux d’origine. Ces derniers ont été cachés au public depuis les grandes transformations de la Porte de Hal réalisées au 19e siècle – par l’architecte Henry Beyaert – et la création du magnifique escalier de style néo-gothique reliant tous les étages du bâtiment.
L’exposition «Back to Bruegel» plonge les visiteurs dans la vie au 16e siècle grâce à des casques de réalité virtuelle et les longues-vues virtuelles, présentes sur le chemin de ronde, permettant de contempler un impressionnant panorama de Bruxelles et de la campagne alentour, sont désormais équipées de produits désinfectants.
M.VD.
www.kmkg-mrah.be/fr/informations-pratiques-1
Article mis en ligne en août 2020
En un an, l’exposition «Beyond Bruegel» a attiré quelque 60 mille visiteurs au Palais de la Dynastie à Bruxelles. Une expérience immersive totale qui projetait le spectateur au 16e siècle, où s’animaient autour de lui les œuvres de Pieter Bruegel l'Ancien. Fort de ce succès, l'organisme officiel et initiateur du projet - Tourism Flanders - revient avec une toute nouvelle exposition de même style : «Meet the Masters».
«Meet the Masters» est visible, au Palais de la Dynastie, dès le fin août. Trois grands maîtres de la peinture flamande – Jan van Eyck, Pieter Bruegel et Peter Paul Rubens – sont réunis le temps d’une expérience virtuelle et d’une rencontre inédite. S’il est toujours question de voyage, celui-ci se fait hors du temps, engageant dans une conversation fantasmée ces trois peintres d’exception. Le visiteur peut découvrir leurs ateliers respectifs, reconstitués dans les moindres détails, ainsi qu'observer les chefs-d'œuvres s’animer, grâce à la cartographie vidéo et à des projections à 360°, et également assister à un spectacle son et lumière.
L.B.
photo : Influence italienne – Peter Paul Rubens
Article mis en ligne en août 2020
Les musées bruxellois regorgent de pièces uniques et la richesse des collections permanentes des musées de la capitale est exceptionnelle. Quelques pièces extraordinaires ont été rassemblées dans un livre intitulé « 100 trésors des musées bruxellois »; un ouvrage paru aux Editions Racine - Lannoo et réalisé en collaboration avec le Conseil Bruxellois des Musées.
Qu’il s’agisse d’oeuvres de Magritte, Panamarenko ou Brueghel, des iguanodons de Bernissart, d’un fétiche à clous congolais ou de hochets précieux, les cent trésors présentés dans ce livre appartiennent aux collections permanentes de 41 musées bruxellois. Ils ont été sélectionnés en fonction de leur portée historique, leur état de conservation, leur unicité et leur rareté. Pour chacune des pièces, les auteurs livrent une description, une remise en contexte et une anecdote.
Cette publication, disponible en français, en néerlandais et en anglais, est vendue en librairie ainsi que sur les sites : www.brusselsmuseums.be et www.racine.be
C.F.